ナツメグのサクっと作曲 ”コツを探れ”

音楽制作のTipsを中心に映画、旅の話題なども。

【作曲テクニック】メロディのバランス力を磨け!

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 今日はメロディのバランスについて考えたいと思います。

早速ですが今日のポイントは、縦と横のそれぞれのバランスです。
 
縦は、音の高低差。
横は、音の長さや細かさ、です。
 

縦のバランスとは

 
音の高低差は歌もので考えた場合、その範囲は1オクターブとメジャー3度くらいが目安ですね。
生楽器をメロディにしたい場合は各楽器の音域を確認する必要があります。
シンセにしてもその音色の一番美味しい帯域があるはずなので意識します。
歌の場合、もちろん歌い手によってはもっと幅広く使えますが、あくまで誰が歌うかわからない場合を想定して標準を取ります。
 
標準的なポップスを例にとって考えると、
Aメロ、Bメロ、Cメロ(サビ)で平均的に高い音になるのはCメロでしょう。もちろん例外もあるしアイデア次第では
A,Bより低い位置にいてもサビを盛り上げることは不可能ではないと思います。
しかし初心者の人が意図もなく曲作りを進めた場合、Cメロで何かしぼんでしまうという壁にぶち当たることはよくあるので、
この辺のバランス感覚は必要です。
 

チェック項目と解決策

・サビで盛り上がるような音域になっているかチェック。
なっていなければAメロ、Bメロの音域を見直します。基本あくまでサビの引き立て役ですからね。Bメロで高い音域を使いすぎて、サビでトーンダウンなんてパターンよくあります。
・使用音域をサビであまり変えたくない場合は、転調して雰囲気を変えて印象付けるという方法も常套句。(あまり上に音域を上げなくても済むキーへの転調を考える)
特に音域が狭いアイドル向け楽曲などでは有効ですよね。
 

横のバランスとは

 
DTMではデュレーション音価)と呼ばれる音の長さや、譜割り(リズム)のことです。
何か、のっぺりとした曲になってしまって緊張感がない、山場が感じられないな、というときは横のバランスを見直すと解決する場合があります。
 

チェック項目と解決策

・頭から終わりまで、メロディが全部同じリズムパターンになっていないか確認する。
・Aメロで長めの音符が続いたらBメロでは刻んでみる(細かい譜割りを入れてみる)。
シンコペーションを入れて推進力をつける。
アウフタクトで入るパートを作りノリを出す。
などなど。
  ワンアイデアとしてAメロとサビの譜わりを同じにすると以外にバランスよく曲が聴けたりしますよ。(メロディの音域は変える)その場合、Bメロの変化が勝負所になりますね。
 
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一つだけ例を見てみます。
星野源の「アイデア」という比較的最近の曲です。
 
Aメロ (8小節を2回しパターン)
縦:下のAの音から入って音域は下のF-Aが中心。 
横;隙間を感じさせる休符多めから入り8分音符中心。音価短め。
Bメロ 
縦:下のFから上がCまでを中心に音域が広がり出す。
横:Aとはリズムを変え頭の音を一拍半伸ばしている。休符少なめ、というかほとんどない。8分音符中心。
Cメロ 
縦:上のFから入りAからFの高めの音域が中心で最高音は1オクターブ上のA。
横:ほとんど4分音符の伸ばし。
 
 おわりに

 

いかがだったでしょうか?特に曲を量産する場合、常に盾と横のバランスを意識していれば、壁にぶち当たった時の解決策も見つかりやすいし、クオリティを落とさずにすむはずです。とにかくいっぱい曲を聴いて縦と横のバランスの感覚を身につけるのは重要だと思います。
 
  そして、、ここまで書いておいてなんなのですが、サビの盛り上げ方、印象の付け方は実に様々で、Aメロとサビが縦も横もほとんど同じメロディでコーラスで厚くしてあるだけなんていう場合もあります。今日ここに書いたアイデアは、主に歌モノを作る場合のベーシックな思考方法です。そこから発展させて色々曲を聴きまくって、広げていくのが良いのではと思います。
 
 

身につけるべき!いつのまにかアレンジが上達するクセとは?

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 今日は、さぁ!アレンジの勉強をするぞ!と意を決して取り組むというよりは、日々の習慣として身につければいつのまにか作曲もアレンジも上達してますよ♪ という話をします。

と言ってもプロの人なら意識せずともみんなやっている事かもしれませんが。

 

聴いて良いと思ったフレーズ、コードはどこにいてもスマホにメモる

 家でじっくり音楽を聴いている時に、参考になる曲に出会えるとは限りません。

”資料聴き”と言って、発注されている曲の参考になりそうな曲を、ネットなどを使って片っ端から聴くことはありますが、本当に血肉になる音楽ってそういう聴き方をしているときに出会えるとは限りません。むしろ街に出た時の方が僕は遭遇します。


 僕の場合、カフェとかバーにいる時に店内で流れている曲からインスピレーションを得ることがよくあります。クルマから流れるラジオからも出会いはあるかもしれません。
そんな時、なんとなくやり過ごしてしまうのはなんと勿体無いことか!

そこで、

Soundhoundを活用する

カフェで流れる曲でコード進行が気になったり、シンセのフレーズが斬新だったり、ギターのフレーズがかっこよかったら、速攻曲を調べて、家に帰って真似してみます。

この際にSoundhoundを利用するのです。

簡単に説明するとSoundhoundとは、スマホに、かかっている曲を聴かせて曲名やアーティストを調べるアプリです。

SoundHound音楽検索の認識とプレーヤー

SoundHound音楽検索の認識とプレーヤー

  • SoundHound, Inc.
  • ミュージック
  • 無料

 これとっても便利で重宝してます。

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クルマのラジオで聴いた場合は、だいたい曲紹介があるので憶えておくか、あとで局のホームページで流れた時間を元にオンエア曲を調べます。


 これがクセになっていると、一年で脳内ストックは、相当たまりますよ!

コツは軽い気持ちでやることです。2小節くらいコピーできれば上出来。のめり込むと他のことができなくなるし、負担になってしまうし慣習化できなくなってしまいますからね。

1日ワンフレーズ、ワンコード進行ものにできれば1年365フレーズ。フレーズはコードとワンセットで覚えることをオススメします。

いざ!曲を作ろう!という時にクオリティもスピードも上がっているはずです。
ぜひお試しください。

noteにて有料記事の販売始めました♪

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 こんにちは。いつもブログ読んでいただいてありがとうございます♪

さてさて、このブログも書き始めて1年と3ヶ月あまりなのですが、おかげさまで読んでくださる方がけっこういることが最近実感できて嬉しい限りです。

 

そこで、今まで特にたくさんアクセスのあった記事から選んで、肉付き加筆してまとめたものをnoteというサイトで100円にて配信することにしまして・・・

より突っ込んだ内容を書いていければなと。

 

第1投目は

クオリティの高い曲を量産するために必要な行動とは?

というエントリにちょこちょこ文章を付け足し、また最近役にたったことなども加筆して配信しております。

どうぞご興味のある方は覗いてやってくださいませ♪

https://note.mu/nutmeg629/n/n28c921c9d077

 

もちろん基本はこちらのブログで、これからもつらつらと役にたったことや機材のことなど書いてまいりますのでよろしくです。

 

 

 

【参考】気になる!?音楽ジャンル別使用プラグインソフト

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 一口に作曲と言っても、作りたい曲にはいろんなジャンルがありますよね。そしてジャンルによって音色もなんとなく使われやすい機材の傾向がありますから使う音源も変わってくるわけです。
そこで、僕が今使っている音源をジャンル別にまとめてみました。
 
大前提で使用する音源は本当に人それぞれだと思いますが、何となく傾向というものはあるわけで・・
こんな感じで今は使ってます。
 

EDM

●リズム
Spark Dubstep 
Spectrasonics Stylus RMX(パーカッション)
Native Instrument Battery4
 
●ベース
Spectrasonics Trilian
LennarDigital  Sylenth1
 
●ウワモノ
Spectrasonics Omnisphere2
reFX Nexus2
UVI Falcon
LennarDigital Sylenth1
Native Instrument  Massive

ポップス

リズム
XLN Audio  AddictiveDrums 
iZotope  BreakTweaker
ARTURIA Spark
Native Instrument Battery4
Spectrasonics Stylus RMX(パーカッション・ループ)
 
●ベース
Spectrasonics Trilian
Native Instrument SCABEE PRE-BASS ほかCABEEシリーズ
 
●ウワモノ
Spectrasonics Omnisphere2
UVI Falcon
reFX Nexus2
BestServise Chris Hein Horns Pro (ブラス)
 

ロック

●リズム
XLN audo AddictiveDrums 
BFD3
Native Instrument Battery4
Spectrasonics Stylus RMX(パーカッション)
●ウワモノ
Spectrasonics Omnisphere2
LASS 2.5 (ストリングス)
Lounge Lizard EP-4(エレピ)
●ベース
Spectrasonics Trilian
Native Instrument SCABEE PRE-BASSほか
 
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クラシック・映画音楽

EastWest  EWQLSO PLATINUM COMPLETE PLUS(オーケストラ)
EastWest  Hollywood Strings
AUDIOBRO LA SCORING STRINGS 2.5 (ストリングス)
Native Instrument DAMAGE (パーカッション)
ほかEastWest のあらゆる生音系 
 
 こんな感じですがいかがでしたでしょうか?
クラシック以外では、BATTERY4 とOmnisphere2はいまだに鉄板です。ウワモノは特に Omnisphere2はなんでも来いという感じですね。
何しろ音色パッチ数がハンパない数ですから(笑)使い込んでいくうちに発見があるし
最近2.5にバージョンアップしたし!
まぁBATTERYはサンプラーなので、何をネタに仕込むかによりますけどね。
ネタはネットで探した無料のサンプルセットを中心に常に新しいものを探している感じです。
 
ほかにもちょろちょろいろんな音源使ってますがきりがないのでメインに使っているものをあげてみました。また面白い音源に出会ったら紹介しますね♪
 
これから新ジャンルの作曲にトライする人の参考に少しでもなったら嬉しいです。
わりとすぐに、使用するソフトシンセはコロコロ変わりますけどね。 

 

【コラム】楽曲コンペって果たして仕事なの?

 

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 作曲を生業とする人のライフプラン(収入プラン)についてたまに考えることがあるのですが、
たまに思う疑問「”楽曲コンペ”って仕事なの?」について書こうと思います。
 
フリーの音楽家にとって収入を得る方法は様々だと思いますが、
音楽事務所に絡むと大体、楽曲コンペというものに参加させられます。
 
そこで疑問。
楽曲コンペは果たして仕事と言えるのでしょうか?
 
例えばあるアイドルの曲の募集があったとします。
何百曲集まっても、採用されるのは1曲で、採用から外れた曲は全てノーギャラになります。
アレンジと仮歌込みで、速くても2日間は作業に費やすので、採用されなければ
2日間タダ働きということになります。
楽曲コンペを経験している方ならわかると思いますが、良いレベルに達していても、そうぽんぽん決まるものでもありません。
仮歌の方にギャラを払ったとすればマイナスですね。
 
仕事って、働いたものに対する対価があって初めて仕事と言えるわけで、
これは仕事ではなくて楽曲オーディション、または楽曲コンテストですよね。
 
それ自体否定するつもりはないけど、かなりギャンブル性の高いスタイルになるのは事実です。
 
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曲を集めたい人がいて、曲を書きたい人が大勢いる、そこに受給は成り立つわけだし、
もちろん、センスと努力で採用率も上がるだろうし売れているアイドルグループで採用されれば一時的にまとまった金額にもなりえます。(今、確実に印税が見込めるのはアイドルかアニメなんて言われています)
 
でも、採用され続けなければ、このやり方で仕事として続けていくのは極めて困難です。
仕事って継続できなければダメですよね。何しろすぐ生活に困ってしまいます。
 
いわゆる”仕事”として捉えるにはあまりにも心もとない話になります。
 
新人がまず一旗あげてブランド力をつける!とか所属事務所に一目置かせて仕事を融通させてもらいやすくする!
という狙いではアリなのかもしれませんが。
 
僕の知っている方々にも、ものすごい才能と努力で採用され続けている方もいますが、
一握りで、それでもバイトをしたり、作曲を辞めてしまったりと様々です。
だから、コンペで長年戦い続けて食べていけている方々のことは尊敬の念以外ありません。
 
最近、周りで多いのは別に仕事を持っていて楽曲コンペに参加するパターンです。
僕はこれ、すごくいいと思います。なぜか。
継続できるからです。専業で作曲するより、作曲に当てる時間は少なくなるかもしれませんが
生活費の心配がないので、長く戦えるからです。長く戦えれば多少実力は劣っても何か引っかかったりするもので諦めさえしなければ、時間はかかりますが着実に実績は積めます。
 
ちょっと嫌な言い方ですがSNSなどで「このアイドルの曲を書きました!」と言いたいだけでしたらなおさらこのスタイルは向いています。
 
ただ、音楽だけの収入で一生食べて行きたい、という僕のサラリーマンを辞めた当初からの考え方にはこの方法はそぐわなかったわけです。自分自身の才能と冷静に向き合ったと言ってもいいかもしれません。
 
ちなみに僕は、今歌物コンペは全くと言っていいほど出していません。
採用率の比較的高い、極めて少人数コンペの、インストもの(歌ではない)だけ参加することにしています。
 
歌ものを思い切って切り捨てて、ちゃんと対価が支払われるBGM制作や劇伴の仕事に専念する道を選んだからです。
 
営業をしたり、交流会に出かけてみたり、たくさん人に会ってみたりと、作曲作業以外にもやることは多くありますが、自分にはこの方法が合っているみたいで、特に苦痛もなくなんとか食べれています。
食べ続けていける保証はどこにもないので、常にあらゆる収入スタイルは模索していますが。
 
皆さんはどういうスタイルで作曲ライフを構築しますか?
僕的には、これは早いうちにどういうスタイルで仕事をするか決めておいたほうが良いと思うんです。
なぜなら、使用する機材、音楽の研究の仕方、営業スタイル、取得する情報の種類がことごとくそれによって違ってくるからです。要するに、お金と時間の投資のしどころが違うんです。
 
色々書きましたが、何が正解かなんてもちろんわかりません。しかし何となく腑に落ちるスタイルっていうのは誰にもあるとは思うんですよね。

 

 
以上、今日は散文になってしまいましたが思ったことを書きました。
 
 

 

 
 
 

【アレンジテクニック】シンセのバッキングでひと工夫加えて差をつけるPart2

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 以前にもお伝えしたかもしれませんが(結構過去に書いたこと忘れているw)、
アレンジをしていて、バッキングパターンをもう一捻りしたいなというときありますよね?   僕はしょっちゅうあります。
そんな時のアイデアをまた少しだけご紹介します。
 
まずは、おさらい的に以前紹介したGATE系プラグインを使ったシンセバッキング。
こちらを参照。
  
最近ではこの方法で、Dackingというプリセットを使って簡単にサイドチェインを作るのに利用することも多いです。ベースにかけると面白いですよ。
 

FiterOrganを使って繊細にカッコよく!

 
ちょっと進化して、FiterOrganという面白いプラグインを使ってFilterをいじって面白い効果を得たいと思います。
どういうソフトかというと、ボコーダーのようにキーボード上でFilterをかけたい周波数を鍵盤で指定して音を出すというもの。
ちょっと説明しづらいのでこちらをご覧になってください。
 
 
僕のよくやる方法としてはブラス系パッドにかけてバッキングを動きのある複雑なものにする方法です。
DAW場ではこんな感じに打ち込みます。
 
 

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●一番上はリズムトラック(わかりやすくするため)
●上から2段目のトラックがブラス系パッド
●3段目がFilterOrganで鳴らしたいフィルター音のフレーズトラック
(パッドの出力をFilterOrganをかけているトラックに送っています)
 
*ちなみにFilterOrganはAAXで使えないのでProtools使いの私は、PATCHWOPRKというソフトを通じてVST3で立ち上げてます。
 
 
実際上記のフレーズを聴いてみましょう。
 
 
 
原音(ブラスパッド)とフィルターがかかっているフレーズの音量配分をソフト上で好みに設定して良い具合に仕上げています。
なかなか面白いでしょう?色々研究してもっと面白いことができそうです。
 
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次に、オーソドックスでシンプルかつ簡単なチップス。
 

サビ前などでシンセブラス系のカットオフを変化させる

 
シンセブラス系の音は僕は、パッドぽく薄くベタに鳴らす場合と、強めの音色だったら生のブラスフレーズっぽく所々効果的に使う場合があります。
 
生のブラスがクレッッシェンドで音色をオープンにするイメージです。
 
どちらにしてもモジュレーションホイールなどを使って必ずと言っていいほどカットオフをオートメーションで動かします。
 
Omnisphereのbrass系ではデフォルトでモジュレーションをいじるとカットオフが変化するものが多いのですが、サビ前やバッキングの8小節に1回とかでカットオフをあげると、曲がより彩りを増します。
 
どんなソフトでも最近はカットオフをモジュレーションホイールなどのコントトーラーに簡単にアサインできるでいろんな音源で試してみてください。
Omnisphereの場合、大体のつまみは右クリックして”MIDI CC Learn”を選べばコントロール可能です。
 
Omnisphereのプリセットでいうとこんな感じ。
フレーズの最後にフワーっと音色が明るくなっていますよね?
 
 
 
 
 
 いかがでしたか?
ちょっと一手間加えるだけで、グーンとトラックのクオリティが上がりますので色々試してみてはどうでしょう。
 

 

 

【アレンジテクニック】リズムトラックに一癖加えて差をつけよう!

 

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 今日は、何の変哲も無いリズムトラックに一癖加えて、あっと思わせるテクニックについて書きます。
 
歌モノにしろ、インストにしろリズムトラックの音色ってとっても現代において大事ですよね。
いろんなアマチュアの方のトラックを聴いていると、最近は市販のサンプルの音がそれだけでかなり仕上がっているものが多いので、
「ちょっと残念だな」と思うトラックは少なくなっています。良くて当たり前なんですね。
 
そこで、さらに差をつけたい場合、ちょっとした一手間でトラックに磨きがかかる場合があります。
 

リズムトラックでドラム音源以外の音をちょい足しする

 
 僕もたまにやる方法は一般的なドラムセットの音色に、普段はリズムでは使わないような音を少し混ぜるというテクニックです。
ちょっと前、たまに聴いたのはミディアムスローなR&Bのリズムのリムショットの箇所に水滴の落ちる音が混ざっているサウンド。昔ですがスティービーワンダーの「Over joyed」の水の音。
わかりやすく言えばそういうことなんです。
 
素材は一般的なドラムセット音以外であれば何でもありなんですが、多少はアタック感があるものでないと使いづらいでしょう。あと音程感がある音色は曲のキーと合わせる必要があります。
 
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どんなサウンドが合うの?

いくつかの例で言うならば
・自分で録音したギターのフレットノイズ
・ボイスパーカッションをエディットしたもの
・普通のボイスサンプルを短くエディットしてパーカッシブにしたもの
・リバース系のサンプル
 
などなど、考え出したらきりがありません。
 
プラグインで考えてお手軽にハマるのはSpectrasonics社のOmnisphereのサンプルです。
みんな結構プリセットからの音色は使っていると思うのですが、SOUNDSOURCE BROWSERからサンプルを選んで音色を一から作る人はわりあい少数派では無いでしょうか。
結構いい音がたくさん入っているのでOmnisphere持っている人にはオススメです。
特に「Oneshot」とか「SFX snd Noise」のカテゴリーにリズムのちょい足しに使いやすい素材が多く入っています。そのままでは使いづらいものもあるのでリリースを調整したりアタックをコンプなどで調整したりします。
 
そんなOmnisphireの素材を使って短いループを作って見ましたので聴いてください。
普通の音色の跳ねたビートのパターンにサンプル素材をちょい足しして個性を出しています。本チャンに使う場合、さらにEQやエフェクトなどでブラッシュアップします。
 
 
皆さんもいろいろ試して見てはいかがでしょうか。
独特のトラックの色が生まれてくると思いますよ。