ナツメグのサクっと作曲 ”コツを探れ”

音楽制作のTipsを中心に映画、旅の話題なども。

JASRACに登録しないと放送に使われにくい?

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 前回に引き続きJASRAC関連です。
自分の曲がラジオやTVで使われたら嬉しいですよね。使用料も入ってくるかもしれないし。では曲をかけてもらいやすくするには?という話です。
 
前回のブログも合わせてどうぞ

放送・映像関連位使われやすい環境づくり

 放送でかかりやすくするには、JASRACなどの著作権管理団体に曲を登録することが前提になります。
配信リリースも登録されていれば使われることもあります。(ただ放送使用料はフィンガープリント(後述)に登録されていないとスルーされてしまうという話を聞きました)
 
TVに関しては近年全曲報告となっています。つまり使った曲は全曲報告されるということです。
最近はフィンガープリント技術といって波形の特徴で曲を分析して報告に使われるという方法も出てきてこのような膨大な曲数でも報告が可能になりました。
しかしこれも、また別途登録が必要で、市販されているCDでなければならないのです。
NEXTONEのページにわかりやすく説明が載っているのでチェックしてみてください。
 
 
 
 まず、著作権管理団体に登録されていないと、使う方としては許諾関係で揉める可能性は絶対避けたいので予め使わない方向で考えます。(実際、TV番組の選曲担当の方にお聞きしました)
 
 なのでやっぱり自分で曲を管理するよりどこかに委託した方が、世の中に曲が認知されやすいという状況ではあるようです。放送に使われやす曲とはどういう曲かという技術的な話は今回別として、使いやすい環境に曲を置いておくということは大事なことだと思います。
 
おわりに
 
CDを売る以外にも、自作曲を世に広める方法として放送や映像に使われやすくするというやり方も選択肢の一つとして大きいなぁと思う今日この頃です。
 

JASRACに曲を信託するということ

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 今日はJASRACに登録すると、どういうメリットデメリットがあるのかという話です。
 
全国発売したCDや、放送に楽曲が使われたことなどをきっかけにJASRACの信託会員になる方は多いとおもいます。さて信託者になった人もこれからなろうと思っている方もわりと信託することの意味を知らないケースがあります。
 

信託会員になるメリット

どんなメリットがあるかというと、自作曲が入ったCDが売れた時や、放送で曲が使われた時JASRACが個人に代わり楽曲使用料を徴収してくれます。個人で管理して使用料を徴収するのは非現実的なので多くの作曲者が信託するのです。
また、著作権侵害などの問題が発生した際JASRACが代わりに対応してくれます。
 

デメリット

作曲者本人でも勝手に自作曲をホームページにアップすることは出来なくなります。JASRACへの申請が必要になります。この場合の使用料に関しては免除になる方法もあります。あとで説明しますね。
しかし、アマチュアの方が趣味で作っている場合などは、自由度が制限されるのでかえって足かせになってしまう場合があるので注意が必要です。
 
 結構知られていないのは、一度信託会員になったら、作曲した曲は全てJASRACに預けなければならず、預ける、預けないの選択は出来ないのが原則ということです。これが結構ややこしいんですね。
 

JASRAC会員・信託者による自己使用について

 最近は、自作曲をJASRACに登録してCD発売する場合、自分の曲のプロモーションが目的ということであれば、JASRACへの許諾手続き、使用料のしはらが1000枚程度まで免除されることになっていますので、もし信託会員になっていて自主でCDを出す人がいたら一度JASRACに問い合わせてみるといいですよ。
 
 
 
 
おわりに
何かと最近、騒がれているJASRACですが、僕は肯定派です。このような団体(他の著作権管理団体含め)がなければ使用料の徴収や権利を守ることを含め、今のところ作曲家として生きていくのは難しいですからね。
 
 

クオリティの高い曲を量産するために必要な行動

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 今日はいかに短時間にクオリティの高い曲を作るにはどんな努力をしたらいいのか?という話です。
 
 

楽曲パターン分析 できるだけ多くの構成パターンを脳内に溜め込む

1曲1曲作るたびにゼロからアイデアを考えていたのでは、時間もかかるし精神は疲弊するし、その割にクオリティをキープするのは難しいと言えるでしょう。
 
まずはできるだけ多くの曲パターンをつかむことが大切です。
 
JPOPなら大まかに構成をつかみます。
 
例えばセクションパターン
 (後ほど紹介する「ヒアリング・チェンジ」という本ではロードマップと呼んでいます)

AA'BC 

ABC 

AA’BA

ABAB

 
などなどざっくりとパターンを掴みます。ノートに記して次の項で細かく分析する内容を書き込んでいくといいでしょう。
 

さらにパターンを細分化する

 
次に、
・曲がどんなキー設定になているのか。
・何小節が1セクションに割り当てられているか。
・転調は有りか無しか。転調するならば何度上か下か。
・セクションごとのリズムパターン。
ABCそれぞれどんなリズムパターンで曲が構成されているか、できるだけ細かく(例えばハイハットパターンまで)分析します。
 
以上の項目を膨大な既存曲をもとに分析します。
 
転調で言えば、
AB でマイナーキー、サビのCでメジャーキーに転調(または同じマイナーで短3度上に転調)
Bで転調し、CでまたAと同じキーに戻るパターン、など。
サビで短3度上または長2度上に転調するパターンはわりと多いです。以外とパターン数はそう多くはないのです。
 
 
 
ここまで出来たら、さらに踏み込んでセクションごとのメロディの動き方や譜割パターンを分析します。またはアレンジの具合、音の編成の厚さなども分類分けできるところまで行ったらなかなかです。だいたいサビがいちばん厚くなるように作られていますがBでの落とし方や盛り上げ方はいろいろで面白いです。
 
この分類分けを実際の曲に照らし合わせて覚えると、覚えやすいしイメージがわきます。
 
邦楽洋楽問わず、あやゆるサンプル曲を膨大に脳内にストックするようにします。
 
最初は大変かもしれませんが、ある程度力がつくまでこの分析を繰り返し脳内にストックすれば、間違いなく作曲スピードも上がるしクオリティもキープできます。
 
 
 

参考になる解説書

ATN出版の「ヒアリング・チェンジ コード進行の解釈と発展の徹底研究」
です。
あらゆる曲のパターンの分析方法が、膨大な実際の曲リストとともに解説されています。
 この本の着目点の一つに”グルー”と”フック”という2種類のコード進行の考え方があります。
”グルー”は普通のコード進行、当たり障りないとも言えます。
”フック”は曲の中に2.3か所だけある、ハッとする進行・期待を裏切るような進行。
この2パターンが曲中でどんな風に生かされているのか、という視点がなかなか勉強になります。
興味がある方は是非読んでみてください。
 
プレイヤーで、アドリブなどの演奏、曲の把握を簡単に早くできるようにしたいという方にもオススメです。
 
 
おわりに
既存のパターンばかり覚えても新しいものは作れないんじゃないかと心配する人もいるかもしれません。
しかし、嫌という程、既存曲を分析し倒してこそ、何が新しく聴こえるのかが理解出来るようになるのです。
 
 
 
 
 
 
 

物足りないミックスがいい感じに音がまとまる方法

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 今日は、全体のミックスがイマイチ馴染まないな、まとまらないなという時の対処方法を一つ書きます。以前にも取り上げたアナログサチュレーターの続編といったところです。今回はアナログコンソールではなくて、アナログマスターテープのシミュレーターです。
 
 アレンジがある程度終わり、ミックス作業の中で、なんかもう一つだな、まとまりが悪いな、馴染まないな、という時ありますよね。
そんな時、僕が試してみる方法はテープシミュレーターを使う方法です。
 

WAVES KRAMER MASTERTAPEを使ってみる

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 バンド系やギターサウンドなどで特に、物足りなさを感じたら無理にトラックを増やすよりバスやマスターにこれを挿してみたら解決するかもしれません。
 
 Ampex 350とAmpex 350というアナログマスターテープのサチュレートを再現したプラグインなのですが、とっても音がふくよかになります。
角が取れる感じと言うんでしょうか、音が全体的に馴染んでまとまります。そして迫力も出るのです。特にボーカルがとっても太くなる印象です。
プリセットをそのまま使うだけでも十分使えます。
 
余談ですが、面白い機能としてテープエコーも付いていてダブっぽい使い方がハマりそうです。
 
 

他にもある、優秀なアナログテープシミュレーター

 
WAVES Abby Road J37Tape
 
Slate Digital Virtual Tape Machine (VTM)
 
などがあります。
いずれもデモがダウンロードできるので試用して比較してみるのも面白いですね。
 
おわりに
前にも書きましたがプラグインに最初っから頼ってしまうのはあまり好きではないのですが、やっぱり優秀なプラグインに出会うとついつい多用してしまいますね。まぁ、僕は専門のエンジニアではないので頼るところは頼っていのかなと最近思っている次第です。
 
 
 
 
 
 
 
 

ジャジーな感じにしてほしいと言われたら?

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 さて、今日は”ジャジー”の話です。
 ジャズのことはよくわからないけど「ジャジーな感じ」にしてほしいと要望があったとします。またはジャジーなBGMが欲しいでもかまいません。
さてどうしましょう。
 
 今さら、インスタントにyoutubeでそれらしいものを聴き漁っても、そんな簡単に掴めるはずもなく締め切りに間に合いません。もちろんジャズを聴くのは大切ですが。
人それぞれジャズの印象はあると思いますが、担当者は何をジャジーと言っているのか?
4ビートみたいなスタンダードなもの?
だったら多分ジャズでお願いします!と来るんではないかと。
あくまで「ジャジー」ということなのでジャズテイスト、僕ならばテンションコードを含んだもので8ビートとかロックやポップスじゃない感じ・・・というところから捉えていきます。
 
そこで手っ取り早い方法をひとつ。
 
ここはリズムとコードがキモです。
 

ジャジーなリズム

 
 90年代アシッドジャズ風のループ・ブレイクビーツを使います。あまりドタバタしない・ギンギンでもないクールなものを選びましょう。
 
 

ジャジーなコード

 
ジャズメンでもないし一から勉強する時間もないので取り敢えず、
Dm9  G7(13)を繰り返してみましょう。
いわゆるテンションコードというやつだけどめんどくさい説明は無しにして、まずこのハーモニーを味わって見ましょう。テンションの導入にはこの組み合わせが一番しっくりきそうなので。
 
 
打ち込んでみました。リズムとコードです。
リズムはStylus RMXの最初から入っているループの一つです。
 
 
 
メロに関しては、書きたいメロの前に半音下の音を”くって”入れることによって、がっつりジャズっぼくなりますよ。
 
前半4小節目のメロはクイ無し、後半4小節はクイありです。
 
 
雰囲気出て来るでしょう?
 
 
おわりに
今回はめちゃめちゃ端的にジャジーについて書きましたが、こういったちっちゃい糸口から徐々に広げていって引き出すを増やしていくのも有効な手だと思います。
 
 
 

憧れのアナログコンソールを通した音にする方法

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 アナログ・サミングミキサーのまとまりと質感・音圧感を再現できるプラグインの話です。
 
最近、過激なセールが多いWAVESが、これまた衝撃的な価格になっていたNLS というプラグインを買って使ってみました。2017年8月時点で5,480円!
 
 

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 NLSはクラシックコンソールをモデルにしたサミングアンプのプラグインで、とっても使いやすいし音が気に入っています。
GUIの面構えも実にいいですねぇ。
 
 サミングアンプって一時期とっても流行りました。アナログのテイストを出すために一旦PCから音を出してサミングアンプを通してまたPCに戻すというやり方。
 そのまどろっこさを解消して、メリットだけ味わうという美味しいプラグインといったところでしょうか。しかも有名なコンソールのモデルで。
 
 
そのNLSに用意されているとっても魅力的な3つのモデル。「Mike」「Spike」「Nevo」。
以下、Media Integrationさんのページから引用。
 
 
”・Mark ´Spike´ Stent(Björk, Muse, Maroon 5, Madonna)所有の「マジカル」ソリッド・ステート・コンソール。
 
Pink Floydの名盤「狂気」にも使用されたMike Hedges(The Cure, Siouxsie and the Banshees, Dido, Faithless, Manic Street Preachers, U2)所有のクラシック・コンソール。
 
・Yoad Nevo(Bryan Adams, Pet Shop Boys, Sugababes, Goldfrapp, Air)のためにカスタマイズされたヴィンテージ・ブリティッシュ・コンソール。”
 
なんだか上がっている名前がすごくてそれだけでも飛びつきそう。
 
 実際、音もとっても気持ちが良い。PC内ミックスで無理やり音圧を上げようとした時の嫌な飽和感がないというか。
 
3つの中ではNevoが抜けが良くてブライトな印象。あとの2つは似ているんだけどMikeの方が低音の膨らみがある感じかな。どらちもいいです。曲次第で使い分ける感じですね。
 
 
おわりに
結構リリースしてからは時間が経つプラグインのようですが、個人的にはバンドものやファンクをベースにしたトラックには外せないアイテムになりそうです。

【アレンジ上達法】楽器を限定してアレンジしてみる

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楽器の数を制限してアレンジしてみるという話です。
 
 最近のポップスの大半は、かなりのトラック数から成り立っています。
シンセの音をいくつも重ねて、リズムループを重ねていくとそれなりに厚く聴こえてしまうので出来たつもりになります。
ところが楽器の数・トラックの数にいつだでも頼っていると、作曲家としての幅も出ないし洗練された作曲・編曲はいつまでたってもできません。
ここで一旦編成そのものをスケールダウンしてみましょう。
 
作曲・編曲の実力をつけるのに良い方とは。
 
 

楽器をあえて限定して曲を作ってみる

 
例えば
 
ドラム
ベース
ギター
鍵盤
ボーカル(メロディ)
 
の編成のみで1曲成り立つように作ってみるのです。
 
 生バンドだったら3ピースだけで成り立つ曲もたくさんあるけど(生演奏だからこそ成り立つ部分が大きい)
作家目線で打ち込みで曲を作るとなるとかっこよく作るのは結構骨が折れます。
 
 編成がシンプルなほど、音色や演奏方法のシミュレーション、ベロシティでのダイナミクスなどに気を使わないと目も当てられないほどしょぼい音源になってしまう。
 2コーラス目もうまく変化を付けていかないと飽きてしまう。楽器が限定されているので”ストリングスを入れて厚みを出す”などの手が使えない。
すべての楽器の演奏に自信があれば問題ないけどそんな人は少数派でしょう。
 
ここで楽器限定の足かせが効いてきてフォーカスが一つ一つの演奏パフォーマンスに向けられます。
 
ここからが面白いところ
 

お手本になりそうな数々の名演奏、名曲を何度も聴いてニュアンスまで正確に把握して打ち込みに反映させよう

解決策としては

・名演奏のフレーズ、フィルを研究して引き出しを増やし1曲を通してバリエーションを作り立体感を出す。
・Aメロとサビでリズムなどにダイナミクスをつけて変化をつける。
・リズムパターンの細かい変化でセクションの違いを作る(例えばハイハットの開き具合でノリを変えるとか、ピアノの刻み方とか)
・各楽器の噛み合わせを(縦の線ともいう)しっかり考えてトラックを作る。ベースとドラムのコンビネーション、キメの取り方を工夫する。
 
脳内バンドを作ってみるのも面白い。
 
鍵盤はリチャード・ティーになったつもりで
ドラムはジェフ・ポーカロになったつもりで
ベースは?
 
などなど各楽器、お手本を参考に工夫を凝らしてトラックを作っていくのです。
 
この方法でフルコーラス聴かせられるトラックができればしめたもの。敏腕アレンジャーの第一歩。あとは楽器を増やしても野暮ったくならず洗練されたアレンジができるようになります。
 
おわりに
 
 実は多数のトラックで成り立たせるより、シンプルな編成でカッコよくアレンジする方が全然難しいのです。僕も常にトラックの数でごまかさないようシンプルでも成り立つアレンジを心がけています。