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ナツメグのサクっと作曲 ”コツを探れ”

音楽制作のTipsを中心に映画、旅の話題なども。

「相棒」音楽 池頼広さんの劇伴セミナーを受けて感じた劇伴作曲家の必要条件とは?

 先日、Peatixというイベント管理アプリで見つけた、「THE 劇伴」というセミナーに参加してきました。
とても刺激のあるセミナーで興味深かったでのでブログに書きます。講師はドラマ「相棒」音楽でお馴染みの池頼広さん。
 全体的に技術的な話というよりは、池さんの音楽的バックボーンと人間性、仕事に対する姿勢がとてもよくわかったセミナーでした。
 

驚きの”音楽メニューなし”

 
劇伴の仕事を依頼されるときに、音楽メニューがないというのがとても衝撃的でした。
通常、映画やドラマの音打ち合わせの際は作曲家に音楽メニューが渡されます。
 
例えば
 
日常1(1分半程度)
日常2(1分)
怒りシーン1 (30秒)
主人公の悲しみ1 (35秒)
 
みたいな感じです。シナリオを読んでシーンごとに制作サイドと話をしながらイメージを固めていく作業をします。「何々という映画のあのシーンの曲みたいな・・」という
話も往々にでてくるのでやはり劇伴作家を目指すなら数多くの映画に触れなければいけませんね。
池さんの場合、もちろん打ち合わせは密にするのでしょうが、音楽メニュー自体無くて、全て任せられるというお話。
信頼されている売れている作曲家ならではだと思いました。
新人ではとてもじゃないけど怖くてこんな頼まれ方嫌です。
 
 僕も映画では音楽挿入ポイント含め任されることもありますが、それは監督が音楽について詳しくないのでこちらでメニューを作り、あとで監督に確認取りながら修正していくというやり方です。セミナーの中でも、昔は監督が音楽のことがほとんど分かっていないので抽象的な指示が多く苦労した・・みたいな話もされていました(今はそういうことはあまりないそうです)
 

劇判作曲家に必要な視点とは?

 
 音楽そのものより、作品(ドラマや映画そのもの)が良くなることが一番の判断基準というスタンス。
これは恐れながら僕も共感するところではありました。
 作曲家の我が見えてしまうような劇伴はよくないということでしょう。また絶対こっちの方向性が良いと思った時には、監督指示と違うことをやることも必要なのだと。
 
 
余談ですが、趣味でやっていらっしゃる「天体観測」の写真がこれまた素晴らしく衝撃的でした。趣味とは思えないハイレベルな写真の数々・・・。
 
 
おわりに
セミナーに参加するのは結構久々だったので新鮮でした。また色々面白そうなセミナーを見つけて参加してみようと思います。
ただ今回、参考音源の音楽のモニター音量がでかすぎて少し耳が疲れましたね。
僕だけかな?
 
最後に、
”フリーの作曲家は「受注」する姿勢でいるとだんだん仕事はなくなる”という言葉が印象的でした。
 
 

オシャレコード番長になりたい!くすぐりコードの秘密

 
 今日は、いっぱつかましておくとグッとオシャレになり、出来るなコイツ!と思わせるコードについてです。ちょっとひと昔前の印象がありますが、僕はスイングアウトシスターというイギリスのアーティストが大好きで、よくコードを研究してました。
 ちょこっと入る絶妙なコードが大好物なんです。
少し例をあげます。
 

サビ前のグッと来るコード

 
「あなたにいてほしい」 スイングアウトシスター
サビの前に一瞬入る Ab aug (サビの後半に入る前にも一瞬登場します)
コードの度数でいうと
bⅤ aug(#Ⅳ aug)
このコードの少し不安定な感じが、サビの爆発力を高めています。
話は逸れますが、アレンジでいうとサビのカウンターで入る柔らかなブラスの音色とフレーズがが最高に好きです。
 
同じように、
スイングアウトシスターの「Breakout」 のサビ前
A#m-5  が一瞬入って サビ頭 AM7 の流れ
#Ⅳm7  Ⅳ M7
も同じ効果ですね。めちゃめちゃ好きです、この感じ。
なんか心をくすぐられるのでは僕は勝手に「くすぐりコード」と名付けてます。
 
 

JPOPに中にこそある「くすぐりコード」

 
日本の曲で探してみますと、
 
SMAPの「らいおんハート」 の Aメロ部分でこんなコードが出てきます。
歌が入って8小節目の終わりの部分で
 
Daug/G# (Ⅰaug / #Ⅳ)
 
Aメロの4小節ブロックのリピートの間に入るコードが、曲のキャラクターになってます。浮遊感がたまりません。一瞬だけバランスをちょこっと崩す感じというか。
 またこの曲のサビは4小節ブロックの音形を3回繰り返してるパターンですが、
1小節目 5小節目の頭がⅣのコードで入るのに対し9小節目は#Ⅳm7b5で入るんですよね。この変化球が絶妙に切なさとかはかなさや哀愁を醸し出してます。
 日本のポップスによくある手法ですが僕も好きでよく使います。
ちなみにこの
#Ⅳm7b5 Ⅴ / Ⅳ   Ⅲm7  Ⅵm7
のようなコードの行き方が大好きです。やりすぎて最近は使わなくなりましたが(笑)
 
 サビに入る前って5度のコード(ドミナント)がめちゃめちゃ多いですよね。サビ前に盛り上げやすいし繋げやすいし。でも作ってて、同じパターンに飽き飽きした時は、こんな「くすぐりのコード」を入れてみると曲が立体的になったり奥行きが出てブラッシュアップされた感が出ます。
 
 
おわりに
派手じゃないけどくすぐられるコード進行ってあるんですよね。
作家によって好きなコード展開は当然違っていてそれが個性になるんだと思います。これからもグッとくるコード探しの旅は続きます。
 
 
 
 
 
 

旅と創作活動の関係 作曲の血肉となるもの(バリ・ウブド編)

 今日は作曲テクニックの話はひとまず置いておいて旅の話をします。
 
数年前にガムランインドネシア民族音楽。銅鑼や鍵盤打楽器の合奏)が聴きたくてバリに旅行に行きました。結局気に入って2年連続で行くことになりました。
 
旅先を歩くときは音楽はききません。
 
 その場所の音の風景があるので勿体無いし、
外国だったらその土地の言葉の会話が雑踏と混ざってとてもいい感じだし、サンプリング録音したいくらい。
 
 バリのお気に入りの場所は山奥のウブドというところです。
芸術の村なんて呼ばれたりして音楽や絵画が盛んな場所です。デンパサール空港から車で山奥に40分くらいのところにあります。
 

何もしない贅沢

 
 昼間は軽い散歩をした後はホテルで本を読んだり、音楽を聴きます。
バリだと、そんなに高くなくてプール付きだったり庭付きの部屋に泊まれるので、出歩かなくても十分楽しめます。泊まった場所はウブドの山深く、ホテル内をケーブルカーが通っているような場所で部屋はプールつきで川に面しており、いろんな動物の鳴き声が聞こえるようなところでした。今でも目を瞑るとそこの気温や風、匂い、川のせせらぎから鳥の鳴き声まですぐに思い出せます。
 

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ガムラン聴き歩き

 
 ウブドでは、夜な夜なお寺でガムランや、舞踊が行われていて1000円もしないで見られるんです。
 僕が1週間くらい滞在した時は、毎晩何かしら聴きに行ってました。
ガムランのほか、ジュゴク(竹のガムラン)、レゴンダンス(女性舞踊)、ワヤンクリ(影絵)、ケチャダンス、などなどがいろんなお寺で上演されています。
 
 ガムランってミニマルな音楽で、ずっと同じ調子でフレーズを繰り返すような曲なので眠くなる時もあるのですが、繰り返しがトランス状態に入ってたまらなく気持ち良い時もあるんです。
 これを聴きに行くだけでもバリ旅行の価値はあります。
 
 
 
 夜ガムランを聴いた後は、街のバックパッカーがいくような食堂(ワルン)で夕食を食べてました(500円もあれば飲めて食べられる!)。ヨーロッパ人からアジア人までいろんな人たちが肩を寄せ合って食べるような食堂でなかなかのカオスでした。そこが気に入って毎晩通いました。
 
 
 旅のいいところって、帰って来たら終わりじゃなくて死ぬまで脳内映像として残ったり、その時のサウンドスケープだったり会話だったり匂いまでちゃんと覚えていることだと思うんです。
 
 これって創作活動には非常に優位ですよね。五感を研ぎ澄ませられるような場所に行けばその時だけでなく、いつまでもその感覚は覚えていられるような気がするんです。
 作曲家にとっても間違いなく血肉の要素の一つなんじゃないかな。
 
 たまに、作曲に向かう時、楽器に触る前に勝負がついている時があるんです(もちろん勝ち)。そういう時って無意識に僕の中の旅記憶の感覚が影響している気がします。
 
 
 
 
 
 

【DTMテクニック】ワンステップ上の、使えるうわものリズムループを作るとっておきの方法

 普通にキック、スネア、ハイハットとリズムを組んでうわものを入れていく過程で、何か寂しい、何か足りないというときにブレイクビーツのようなループを小さく入れておくと充実感が増します。
そこでループに一工夫して一段上のアレンジを目指しましょう。
 
 僕がよく使うのはSpectrasonicのStylus RMXiZotopeのBREAKTWEAKERです。基本的にキックやスネアがあるところにかぶせることを前提にしているので、キックとかぶりそうな無駄な帯域はフィルターやEQでカットしておきます。
 

面白いループを作るアイデア 

 Stylus RMXを使って

 RMXのプリセットパターンやオリジナルストック素材をちょこっといじって曲に加えます。RMXはリリースされてからかなりたちますが面白い機能満載で自由度が高く今も重宝してます。
 
 
例えば次のサンプルを聴いてください。
 

 
 4パターンのサンプルです。
1つ目は、はノーマルなRMXに最初から入っていたループ素材そのまま。
 
2つ目は、内臓エフェクトPOWER FILTERで低音をカットしVINTAGE COMP と RADIO DELAYをかけたもの。
 
3つ目は、内臓エフェクトを切って外部エフェクター AIR の FILTERGATEをかけたもの
 
4つ目は、RMX付属のCHAOS DESIGNERでちょこっとつまみを調節したものです。
CHAOS DESIGNERはリバースやタイミング変更、ピッチ変更などをランダムにループに組み入れることによって、トリッキーな音を出せる機能でとても面白いです。
 

BREAKTWEAKERを使って

 
次にiZotopeのBREAKTWEAKERのサンプルを聴いてください。
 

 最初の音は普通のスネアの音を BREAKTWEAKERのMICRO EDITという機能を使って簡単に加工したものです。スネアを機械的に刻んでエフェクティブな効果を出すのが簡単なんです。その後に続くサンプルはその加工したスネアをループに組み込んだパターンです。他にも他のソフトにない特徴的なエディット機能が沢山あります。
 
 
 
 こんなふうに一つのループパターンでもエフェクトやエディットを加えて変化をつけ、サビや、間奏、ブレークポイントにそれぞれちょっとずつ違うパターンを差し込むことによって楽曲をドラマティックに飽きさせない展開にすることができます。
 
 
後、テクニックとしてはそのループパターンが曲に埋もれてイマイチな時はMAGNETICなどのサチュエーション系プラグインを使います。
またTransientMasterというプラグインを使えば、アタックとリリースを調整し、良い感じの曲のグルーブを作ることが簡単にできます。
 
おわりに
 
 こういったアイデアは時間をかければ無限に出てくるものなので、ちょくちょく遊びながら自分なりのストックを蓄えておくと、いざという時便利ですよ。引き出しの多さはアレンジャーに欠かせないものです。
 
 
 
 
 
 
 

聴く人をうならせるストリングス打ち込み。LASS2.5を使い倒せ!

 今回はオーケストラアレンジやポップスアレンジにも欠かせないストリングスの音色や奏法を考えてみます。少し突っ込んで研究することで楽曲のクオリティが格段と違ってきます。
 

こだわりのストリングスの設定をご紹介

 僕は曲によってLASS2.5(LA SCORING STRINGS 以下LASS)とEASTWESTのHOLLYWOOD STRINGS(以下HS)を使い分けているのですが、今日はこの2つを比較しながらもLASSを使い倒してみましょう。
 
 まだまだ僕自身使いきれていないのですが、一部を紹介します。
LASSは自分でキースイッチのセットを自由に組むことができます。これがちょっと難関。ここでは細かい設定の仕方はマニュアルに任せるとして、僕が作ったセットは以下のような感じ。 
 
奏法はMIDIキーボードのC0付近でキースイッチで切り替えられるようにしました。
楽器群は
 
Violin 1
Violin2
Viola
Chello
Contarabass
 
のセットを組んであります。5トラックですね。
奏法はレガート、スタッカート、スピカート、ピチカートの4種類をそれぞれの楽器に適用します。
 
ちなみにHSはキースイッチを使っておらず、トラックごとに奏法を分けてあるのでかなりのトラック数になります。
つまりそれぞれの楽器ごとに4つの奏法トラックが必要になるのでストリングスだけで
20トラックになります。
 

音量と音質の変化

 
HSもLASSも音量変化、音質変化をモジュレーションとエクスプレッションで表現できます。
 
こんな感じにそれぞれの楽器にカーブを描きます。
 

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モジュレーション(CC0)  弦を弾く強さでの音量・音質変化 値が上がると力強い音色になる
 
エクスプレッション(CC11) 単なる音量変化 大まかな音量変化に使う
 
 エクスプレッションとモジュレーションの合わせ技が高い表現力になります。
LASSとHSはそれぞれ掛かり方が違うので同じ数値ではうまくいきません。
使う場合それぞれに調節します。
 
ここでLASSとHSの奏法別に僕が作った短いサンプルを載せておきます。
 
 
では音を聴いてください。
 
LASS スタッカート
 

 
HS  スタッカート
 

 
LASS レガート
 

 
HS  レガート
 

 

 

かなり2つのソフトで質感が違うことがわかるはずです。スタッカートとレガートでも
それぞれ人数感が違いますね。
 
また、レガートのメロディのバイオリンには音のつなぎが滑らかになるポルタメントという表現方法を使っています。LASSもHSもベロシティの数値によって切り替えることができます。
 
 

A.R.Tの活用(LASSのみ)

 いわゆるスタッカートやスピカートで「ジョコジョコジョコジョコ」という刻みを自動的に演奏してくれる機能がLASSにはあります。なかなかリアルです。アクションシーンや緊迫シーンなどで使えそうです。サスティーンペダルを入力することによって切り替えができます。
 

 
 

バーブとの相性

 
 LASSはリバーブと弦の質感をA.R.Cというシステムのいくつかあるプリセットから選べます。納得いくまで質感にこだわって設定します。今回はAiry Stringsというプリセットにしました。もちろんドライにして外部のリバーブを使っても問題ありません。
 
 HSはリバーブはB2(2C AUDIO)のHALLの設定を使ってます。 僕はこのセットが好みでよく使っています。
 

クリアすべき問題点

 
 テンポが速くなるとストリングスのアタックが遅く聞こえてしまうケースがあるのでその場合、数十ティック前にデータをずらして対応します。結構この調整はイライラする時がありますが根気強く調整します。
 
 
 
 裏技的にはメロディのバイオリンにはソロバイオリンのパッチをまぜてみると、ザラッとしたリアル感がでてうまくいくことがあります。
 
 
おわりに
 どうでしたでしょうか?ストリングスには僕もかなり手を焼いているのですが、追求すれば追求するほど楽曲のクオリティがみるみる上がるのもストリングスの面白いところです。まだまだ研究中ですが最高のストリングスを鳴らせるよう精進したいと思います♪
 
 
ストリングスの打ち込みを解説した動画を以前作ったので、こちらもぜひ参考にご覧になってください。HOLLYWOOD STRINGSを使っています。

どこで新しい音楽を探す? 自分の作曲に飽きないための方法

 
 
 最新の音楽を聴く、または自分の刺激になる音楽を常に聴くことは重要です。
昔なら音楽雑誌やラジオ、大型CDショップなどが情報源でした。今はネット社会なので膨大な音楽がいつでもほぼ無料のような状態で聴けるようになりました。
 この膨大な音楽の海原から何をチョイスして聴き、何にフォーカスを当てるかが鍵になってきます。
 

なぜ今までの音楽を聴いているだけではダメなのか?

 昔の音の方が好きだから、とか今の音楽は肌に合わなくて無理して聴く気がしない・・というのは趣味では良いのですがプロとしては失格です。
 制作だけやっていると(作曲に追われていると)いつの間にか”こなし”に入ってしまいます。終わらすことが第一目標になりがちです。終わらすことはとっても大事で仕事の第一条件ですが、自分で自分の作っているものに飽きてしまうという最悪の状況が作られてしまう。
 
 いつもの音源といつものフレーズ・・手グセで作曲してしまう・・などなど。言うまでもなく今までにないスピードで音楽シーンは変化しています。好き嫌いに関係なく最新のものに常に触れるようにしていないと細胞レベル(ブルゾンちえみではないが)で音が古くなってしまう。
作り手としてはアンテナは意識して張っておかないといけないわけです。
 

きっかけとなった出来事

 
 10年近く前の話ですが、取引先の担当者に提出したデモのことで、音色について本当にボロックソに言われたことがありました。かなり落ち込んで悔しい思いをしたけど、その時から意識して最新のものから、参考になる音楽を求めてたくさん聴きだした気がします。20代の頃は意識しないで当然のようにやっていた掘り出す作業が意識しないとおろそかになってくることに気づきました。そしてそれは、以前は好きな音楽しか聴かなかったけど、それではこの先フリーとして持たないなと思い始めた瞬間でした。
 
 

さて、新鮮な音楽の仕入先は?

 
 最近はオーケストラ系の曲を作る機会が多いのと、TV BGMでスポーツ系、ニュース系のBGMを作ることが多くあるので、そこに当てはまりそうなジャンルを中心に掘り下げるようにしてます。ネタはほとんどネット・ネットラジオです。僕はあまりしませんがDJイベントなどに頻繁に顔を出すのも新鮮なネタに触れられる一つのやり方ですよね。
 
その中で
Apple Music(好みをよくわかってくれる) は一番よく聴くけれど、他にネットラジオをよく聴きます。
 
EDM系なら定番のBeat Port (ダンスミュージック中心にジャンル別にチャートが分かれていて求めているものにたどり着きやすいし新しいものに触れられます)
チャートをかたっぱしから聴くだけでも面白い。
 
クラシック系ならAdagioFMClassical MPR
をよく聴いています。AdagioFMは古典ばかりでなく現代音楽やJAZZよりなものが聴けてワクワクします。
 
あと個人的に好きなのはsomaFMというアンビエンスやチルアウトなどのチャンネルが充実してるネットラジオが好きです。これは完全に個人的趣味ですが刺激的でエッセンスで取り入れたい音の宝庫です。
 
 残念ながら家にいてこれだけ不自由なく新しい音楽を聴けるとCDは買わなくなりますね。買うのはJAZZのCDくらい。
 
 
おわりに
 
 年齢を重ねるとともに億劫になってくる新しい音楽の探求。でも資料聴きじゃなく、ピンと来たアーティストと出会う感覚はいつも、いつまでたっても刺激的で最高ですね。次への創作の活力になります。どんなに時間に追われる生活をしているにしても新しい音楽(時代的に新しいもの、または時代に関係なく自分にとって新しいと思えるもの)を探求する時間は確保したいものです。
 
 
 

実践 機材セッティングと録音の話 これで仕事をしています

 今日はどのように機材をつないで、実際仕事をしているのかをレコーディング方法含め紹介したいと思います。この手の話に万能的な正解はないのですが、僕の制作環境規模と同じくらいで作曲している人には参考になるかもしれません。

 

基本的な常時セッティング

マイク録音セッティング

 MIC → UniversalAudio (ステレオマイクプリ)2-610 → AvaronDesign AD2044(ステレオコンプレッサー) → Avid Omni の Input

 

 基本このセットは固めてあり曲によって変わることはありません。

モニター配線

Avid Omni の MAINOUT→ TAPCOのミキサー → モニタースピーカー(YAMAHA MSP7)
 
音量はミキサー側で調整。
モニター切り替え器を通じて小型スピーカー(JBL )にも接続。
 
マスターキボード(DTM入力用)はKORGのKRONOS X をUSBでMACに接続。
KRONOSの音も録音できるようOUTをAvid OmniのLINE INにつなげっぱなしです。
が、音源としてはKRONOSはほとんど使っていなく入力用とMIDIコントロール用です。
 
そういえばMIDIインターフェイスはハードの音源を売り払ってから全く使わなくなりましたねぇ。少し寂しい気も。
 
 

ギターレコーディングの場合のセッティング

エレキギターの場合(ライン録音)

アンプの音が欲しい時、生々しいエレキが欲しい時は
ギター  →   アンプ(VICTORIA AMP Champ)     →  ロードボックス(EX-Pro  DMX) → マイクプリ(2-610)  →  コンプレッサー (AD2044) → Avid Omni
 
の順に接続
ギターは仕事ではほぼ PRS CUSTOM を使ってます。何のジャンルでも対応しやすく弾きやすいです。 
 
ロードボックスとは、アンプの太い音、歪みが欲しい時に音質を落とさずにオーディオインターフェイスの入力に耐えるところまでレベルを落としてくれる機械(アッテネーター)です。
僕の作業部屋は防音加工されてますが、やはり夜は大きなアンプ出力でマイク録音は厳しいので全てラインで録音してます。そんな時ロードボックスは大活躍です。
 

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アコースティックギターの場合

 
マイク(AKG 451B)2本立て → マイクプリ(2-610) → コンプレッサー(AD2044) → Avid Omni
 
の順。
 
 マイクはネック根元あたりとホールあたりを2本立てで狙ってます。
これはステレオ感より音の輪郭(根元)と太さ(ホール)のバランスを曲によってとりたいからです。2本同じマイクを立ててますがペアとして販売しているものを買いました。(昔エンジニアさんにペアで買わないと位相の問題でよくないと言われた)
 

ボーカル録音の場合のセッティング

 
ボーカルブースにAKG (C414B XLⅡ)をセット → マイクプリ(2-610) → コンプレッサー (AD2044)→ Avid Omni の順。
ギターもボーカルもコンプレッサーはスレッショルドは浅め、一番大きいところで少しリダクションする程度にかけます。
 
おわりに
 
 あくまで僕の仕事をしているセッティングで、ちょっとした小ワザ・テクニックはあるにしてもこれが正解というのはないです。
制作環境は予算・規模などによって自分なりに試行錯誤して調整していくしかないのです。
 しかしながら、僕の規模と同じくらいの環境で宅録に勤しんでいる人に少しでも参考になればと思い記事にしました。僕もずっとこの先も試行錯誤していくことでしょう。